Dernier film visionné

After life / Wandâfuru raifu (1998) de Hirokazu Kore-Eda - 7/10

Synopsis : A leur arrivée dans les limbes, les employés d’une étrange administration invitent les morts à choisir parmi leurs souvenirs celui qu’ils emporteront dans l’au-delà avant que tous les autres ne s’effacent…

Ce deuxième long métrage du réalisateur japonais est très original en raison du sujet traité à savoir choisir un unique instant de sa vie qu'on veut garder en mémoire. Ce moment sera ensuite reconstitué et filmé pour qu'il reste le seul souvenir pendant l'éternité.
La première partie du film est consacrée au choix de chaque personne décédée face à un membre du service administratif. Les dialogues sont riches et souvent touchants, par contre la mise en scène est minimaliste avec une caméra fixe sans gros plan ce qui entraîne un effet de distanciation et parfois un ennui devant ces scènes répétitives.
La deuxième partie partie est consacrée au tournage des souvenirs choisis. La aussi on a droit à une mise en scène épurée qui ressemble parfois à un documentaire. Heureusement il y a un très beau passage avec interaction entre le souvenir d'un mort et celui de l'intervenant qui l'interroge ce qui n'évite pas malheureusement une déception face à tant de longueurs.
De beaux instantanés de bonheur, une réflexion sur la mémoire et une belle parabole sur le cinéma n'ont pas suffi à m'enthousiasmer devant le parti pris de neutralité choisi par le réalisateur.

L'ange îvre / Yoidore tenshi (1948) de Akira Kurosawa - 8,5/10

Synopsis : Dans le Tokyo d’après-guerre, un médecin reçoit la visite d’un jeune yakuza blessé par balle chez lequel il finit par déceler la tuberculose. Mais ce dernier refuse obstinément de se faire soigner, craignant la réaction de ses pairs. Débute alors une étrange amitié entre deux hommes, que pourtant tout oppose, et qui se retrouveront confrontés à la violence de la maladie tout autant qu’à celle de la ville…

Une œuvre importante dans la filmographie du grand maître japonais. Il la considérait comme son premier film personnel car débarrassée des contraintes de la production. Des thèmes qui lui sont chers y sont développés comme la misère, la médecine qu'on retrouvera dans Barberousse, Les bas-fonds ou Dodeskaden. Cette mare, véritable cloaque, où sont déversés les détritus d'un bidonville est le centre géographique de ce drame fortement influencé par le néoréalisme italien.
C'est aussi la première collaboration entre le réalisateur et son acteur fétiche, Toshiro Mifune alors acteur débutant qui crève l'écran dans ce rôle de jeune yakusa qui affronte un docteur incarné par le monstre sacré de l'époque, Takashi Shimura. Cette confrontation entre deux personnalités au fort caractère, la aussi un thème récurant (cher à Dostoïevski), donne lieu à des scènes bien filmées avec une photographie digne des grands films expressionnistes. La scène ou le docteur nettoie et recoud la blessure à la main du yakuza est en soi un petit joyau à la fois d'humour et de sadisme.
L'équipe de tournage avec en particulier Fumio Hayasaka (musique) et Takashi Matsuyama (décors), va devenir incontournable et fidèle au réalisateur pour la suite de sa carrière.
Si la mise en scène n'est pas encore parfaite, elle fait preuve du génie visuel du cinéaste notamment dans la scène du combat entre les deux yakuzas dans un couloir qui devient une véritable patinoire à cause de la peinture renversée sur le sol.
A noter trois beaux portraits de femmes aux caractères très différents ce qui était plutôt insolite dans le cinéma japonais de l'époque.

Un grand film qui annonce les chefs-d'œuvre à venir.

Josep (2020) de Aurel - 6,5/10

Synopsis : Février 1939. Submergé par le flot de Républicains fuyant la dictature franquiste, le gouvernement français les parque dans des camps. Deux hommes séparés par les barbelés vont se lier d’amitié. L’un est gendarme, l’autre est dessinateur. De Barcelone à New York, l’histoire vraie de Josep Bartolí, combattant antifranquiste et artiste d’exception.

Un faux film d'animation car il y a très peu d'images animées mais plutôt une succession d'esquisses issues de la BD elle-même ou de dessins de Josep Bartoli. Effort louable que de vouloir représenter le parcours d'exception de ce dessinateur catalan en particulier lors de cet épisode peu glorieux et mal connu des français où les réfugiés espagnols fuyant les exactions franquistes furent parqués dans des camps de concentration avant d'être livrés à la gestapo.
Le trait est un peu gros et manichéen de plus le scénario est souvent maladroit et trop elliptique pour la période mexicaine ou le personnage de Frida Khalo est présenté comme sortant des eaux.
Du point de vue esthétique c'est assez réussi avec des styles différents pour chaque période abordée.
Personnellement je préfère me rabattre sur des illustrations de romans comme celles de Robinson Crusoe ou des Aventures de Gulliver.

West side story de Steven Spielberg : 8/10
Voici donc le remake que Spielberg a toujours voulu faire, un classique dont il a essayé de s'éloigner par petites touches.
La première grosse différence est la mise en scène, bien plus virtuose que celle de Wise(réputée pour son minimalisme), qui nous régale sur plusieurs séquences (bien aidée par la magnifique photographie de Janusz Kamiński). Spielberg a pensé son film en 3d(comme jurassic Park) et ça se ressent. Ça rend le film beaucoup moins statique que le Wise, et donc plus énergique.
Le scénario est quasiment le même (avec tout de même un arrière plan social en plus), donc je passe sur cet aspect là.
Quant à la distribution, si l'actrice qui joue Anita est formidable, celui qui joue Bernardo est bien plus crédible en bad boy que George Chakiris.
Celle qui joue Maria n'a malheureusement pas le charisme et la beauté de Nathalie Wood(mais je ne suis pas vraiment objectif quand il s'agit de la belle Nathalie) et celui qui interprète Tony (l'acteur de baby driver) est assez fade(même reproche que je faisais à l'acteur original). Reste l'acteur qui joue Riff, et qui s'en sort très bien, mais reste un peu dans l'ombre du passionné Bernardo.
Malgré une réorchestration plus moderne que la bande originale du Wise(mais pas tant que çà non plus), la déception vient du côté désuet des chansons (que j'adore mais qui, pour les nouvelles générations à qui s'adresse Spielberg, risque de ne pas passer (c'est le cas de ma fille de 14 ans)). Peut être qu'une modernisation des titres à la moulin rouge, aurait permis d'accrocher le jeune public recherché.
Reste le plaisir bonus de revoir Rita Moreno, dans un rôle équivalent au doc de la version originale.

Adam (2009) de Max Mayer - 7/10

Synopsis : Adam, jeune homme brillant, passionné d’astronomie mais atteint d’une forme légère d’autisme, mène une existence réglée dans les moindres détails, jusqu’à la mort de son père avec qui il vivait. Alors qu’il essaye de s’adapter à sa nouvelle existence, Adam fait la connaissance de la jolie Beth qui vient d’emménager dans l’appartement voisin. C’est le premier d’une série de bouleversements qui vont changer son monde…

Une romance assez bien écrite sur le thème de la relation d'une femme normale avec un homme autiste. Un thème devenu populaire avec la série The good doctor mais qui est ici traité beaucoup plus finement et sans exagération dans l'interprétation. Loin de ses rôles habituels, Hugh Dancy parait vraisemblable dans le rôle de ce jeune homme atteint du syndrome d'Asperger. La belle Rose Byrne incarne une femme sensible mais réaliste. On pouvait redouter que le film tombe dans la guimauve mais le scénario évite cet écueil tout en étant drôle et romantique.
Malgré une mise en scène très quelconque on passe un bon moment avec une BO agréable et des personnages attachants.

Capitaine Blood / Captain Blood (1935) de Michael Curtiz - 8,5/10

Synopsis : Les aventures de Peter Blood, médecin du XVIIe siècle, reconverti en pirate après avoir échappé à un injuste emprisonnement.

Ce film de pirates m'avait enthousiasmé dans ma jeunesse et n'a rien perdu de son charme. Je lui ai même trouvé des qualités qui ne m'avaient pas marqué lors de mes premières visions. La beauté des décors, la fluidité et le rythme soutenu de la mise en scène, la qualité des dialogues et de l'interprétation sont telles que ce film résiste facilement aux outrages du temps. Seules les maquettes de navires peuvent paraître par moment désuètes tant on est habitué aux effets spéciaux perfectionnés.
Il faut dire que la Warner, encouragée par le succès de L'île au trésor, avait alors mis le paquet pour ce film qui devait concurrencer les films d'aventures maritimes sortis par les autres studios comme Les révoltés du Bounty (MGM). La production a des arguments solides avec une histoire de Sabatini auteur célèbre à l'époque et à l'origine d'autres succès comme Scaramouche. Le scénario est un mélange d'actions héroïques et de scènes romantiques où l'humour est omniprésent avec des personnages truculents.
Ce qui par contre est surprenant c'est qu'un aussi gros projet fut confié à un réalisateur presque novice comme Michael Curtiz.  Sa réputation de réalisateur soignant le moindre détail avait sans doute du percer chez les producteurs. Plus étonnant encore est le choix de l'acteur pour incarner le rôle principal. Errol Flynn qui venait de débarquer à Hollywood a su convaincre Curtiz par sa fougue et remplaça Robert Donat initialement prévu. Le couple qu'il forme avec Olivia De Haviland illumine les scènes où il apparait en particulier lors des deux ventes aux enchères où chacun à tour de rôle est vendu à l'autre. Le combat avec Basil Rathbone sur la plage restera dans les mémoires pour la hargne des deux combattants et pour la qualité des cadrages et des mouvements. Du jour au lendemain Errol Flynn remplaça Douglas Fairbanks Jr. dans les cœurs des américain(e)s.

Où est la maison de mon ami ? / Khaneh-ye doost kojast? (1987) de  Abbas Kiarostami - 8/10

Synopsis : À l’école du village de Koker, Nematzadeh néglige de faire ses devoirs sur le cahier prévu à cet effet ; au prochain oubli, il sera renvoyé. Or, ce soir-là, son camarade emporte par mégarde le cahier de Nematzadeh et se lance à la recherche de la maison de son ami, dans les hameaux voisins pour lui rendre son bien…

A travers ce récit initiatique le réalisateur iranien porte un regard aigu sur la société contemporaine de son pays. Entre deux séquences se déroulant dans une classe où un instituteur borné ne prête pas attention aux malheurs de ses élèves, on suit ce petit bonhomme aux grands yeux tristes qui se démène sans succès pour retrouver son ami. Chaque fois qu'il s'adresse à un adulte il ne rencontre qu'incompréhension. Sa mère le surcharge de travail alors qu'elle affirme que sa priorité est qu'il fasse ses devoirs, son grand-père lui demande de faire une course inutile juste pour affirmer son autorité, son père fait fi de la morale...
Une fable humaniste dont l'aspect néoréaliste a permis au réalisateur d'éviter la censure et qui décrit fort justement les difficultés de l'enfance dans une société sclérosée.

"Capitaine Blood" est effectivement un des rôles phares d'Errol Flynn, même si personnellement - dans le genre films de flibustiers - je lui préfère quand même "L'aigle des mers" ( bon, y'a pas la ligne droite des Hunaudières entre les deux ) . Ce sont ces deux films-là qui, dès mon enfance, m'ont donné ce goût immodéré pour le genre ( qui ne m'a jamais quitté   ) .
Les deux sont depuis leurs sorties respectives ( 1935 et 1940 ) considérés comme des grands classiques de films de pirates et de corsaires, avec d'autres belles réussites du genre comme "Le cygne noir ( avec Tyrone Power ) , "L'île au trésor" ( avec Wallace Berry ), "les flibustiers" ( avec Fredric March ), "Pavillon noir" ( avec Maureen O'Hara ), "Le vagabond des mers" ( retour d'Errol Flynn au genre ), "Les boucaniers" ( avec Yul Brynner ) , " Le corsaire rouge" ( avec Burt Lancaster ) et aujourd'hui la saga "Pirates des caraïbes" !
En 1962, le fils d'Errol Flynn,  Sean Flynn,  va être choisi pour incarner  ..............  "Le fils du capitaine Blood" , mais hélas dans un métrage qu'il vaut peut-être mieux oublier       ..............

Liliane / Baby face (1933) de Alfred E. Green - 7,5/10

Synopsis : En pleine Prohibition, Liliane « Baby Face » Powers est serveuse dans le speakeasy miteux d’une ville-usine. Son père, qui la force à coucher avec ses clients rustres et brutaux, décède lors de l’explosion de sa distillerie. Fuyant alors pour New York, Lily est engagée dans une banque dont elle en gravit les échelons en utilisant sans scrupule les hommes comme marchepieds vers la réussite…

Film emblématique de la période pré-code qui fit de Barbara Stanwyck une star et qui provoqua la mise en application du code Hays en 1934 voté en 1930 mais qui n'était que parcimonieusement utilisé jusque là. Le sujet a de quoi interloquer une Amérique puritaine car on voit une femme ambitieuse utiliser ses charmes pour s'enrichir au dépens des membres d'une administration bancaire, rejetant sans remords ses amants une fois devenus inutiles. Cette amoralité est clairement assumée même si on peut excuser en partie cette attitude par le fait qu'elle a été le jouet des hommes pendant sa jeunesse en étant prostituée par son propre père.
La mise en scène n'est pas brillante mais a le mérite d'être réaliste et concise utilisant l'ellipse pour éviter les scènes inutiles. Un tel film aurait bien du mal à être réalisé aujourd'hui dans la même durée. On peut reprocher le happy end totalement en opposition avec le ton du film sans doute occasionné par la peur d'un rejet du public.
Un film qui marque les esprits par ce portrait de femme fatale qui collera à la peau de Barbara Stanwyck.

Pour les fans de John Wayne, ne vous laissez pas abuser par la jaquette du DVD. Il n'apparait que quelques secondes dans le film.

Dead again (1991) de Kenneth Branagh - 7,5/10

Synopsis : Détective privé à Los Angeles, Mike Church s’est spécialisé dans la recherche des personnes disparues. Un jour, le père supérieur de l’orphelinat où il a été élevé lui demande de découvrir l’identité d’une jeune amnésique qui s’est réfugiée dans son institution. La jeune femme est tourmentée par d’affreux cauchemars ayant trait à l’assassinat, dans les années 40, d’une brillante concertiste.

Ce film est un habile mélange de genres, à la fois une comédie et un thriller fantastique. Le scénariste a pris un malin plaisir à brouiller les pistes en donnant au spectateur le moyen d'élucider le mystère à travers des détails qui (mal)heureusement passent inaperçus. Les références aux œuvres d'Hitchcock parsèment l'histoire sans nuire à sa qualité. Les dialogues sont souvent savoureux mais l'interprétation est inégale. Kenneth Branagh est parfois un peu théâtral (normal pour un acteur shakespearien) par contre Emma Thompson est parfaite et quel plaisir jubilatoire de retrouver des acteurs comme Robin Williams ou Wayne Wright dans des rôles déjantés. Ajoutez une bande son qui colle parfaitement au rythme du film et vous aurez de quoi passer un bon moment avec cette histoire de double réincarnation.

zardi a écrit:Dead again (1991) de Kenneth Branagh -

Cela fait pas mal d'années que je n'ai pas revu ce film, mais je vais bientôt me rattraper avec la sortie du blu-ray le 5 janvier

The devil and Daniel Webster (Tous les biens de la terre) / All that money can buy (1941) de  William Dieterle - 8/10

Synopsis : Dans le New Hampshire, au XIXe siècle, Mr Scratch porte son intérêt maléfique sur Jabez Stone, un pauvre fermier qui, par un mauvais jour et dans un excès de colère, parle de lui vendre son âme. En échange de celle-ci, Mr Scratch lui offre un contrat d’exception de spet ans et de l’or à volonté. Stone accepte malgré les risques et rembourse ses dettes. L’arrogance et l’égoïsme gagnent peu à peu le coeur de Jabez…

Cette variante tragi-comique de Faust est marquée par le talent et l'humanisme du réalisateur. Celui-ci connaissait bien le thème puisqu'il avait joué dans le film de Murnau et de nombreuses scènes sont marquées par l'art expressionniste avec des ombres omniprésentes et des cadrages très travaillés en particulier la scène de bal. On retiendra surtout l'affrontement verbal entre Edward Arnold qui incarne un avocat profondément humaniste et Walter Huston qui incarne le diable tour à tour malicieux et inquiétant avec des dialogues hauts en couleur notamment dans la scène finale du procès. Deux autres acteurs marquent le film de leur empreinte, Jane Darwell, l'inoubliable Ma des Raisins de la colère,  en mère courage et Simone Simon, ensorcelante et détestable à souhait, qui trouvera ainsi un tremplin pour interpréter par la suite La féline.
Autre atout du film, la musique de Bernard Herrmann dont la tonalité inquiétante accompagne les apparitions de Scratch, en particulier dans la séquence où le violoniste s'emballe pour atteindre un rythme effréné.
Le côté énervant du film est l'aspect outrancier du patriotisme qui baigne les discours de Daniel Webster mais je crois qu'il faut voir en cela une exaltation de Dieterle, profondément antinazi, pour remercier le pays qui l'a accueilli et en même temps appeler les américains à réagir face à la menace allemande. Ironie du sort quand on sait qu'il sera obligé, persécuté par le FBI, de quitter cette patrie d'adoption alors qu'il s'était fait naturalisé.

Même s'il n'est pas un chef-d'œuvre, grâce à la qualité de la mise en scène, de la musique et de l'interprétation, ce film est une belle réussite.