Dernier film visionné

Synopsis : À Katmandou, le reporter japonais Fukamachi croit reconnaître Habu Jôji, cet alpiniste que l’on pensait disparu depuis des années. Il semble tenir entre ses mains un appareil photo qui pourrait changer l’histoire de l’alpinisme. Et si George Mallory et Andrew Irvine étaient les premiers hommes à avoir atteint le sommet de l’Everest, le 8 juin 1924 ? Seul le petit Kodak Vest Pocket avec lequel ils devaient se photographier sur le toit du monde pourrait livrer la vérité. 70 ans plus tard, pour tenter de résoudre ce mystère, Fukamachi se lance sur les traces de Habu. Il découvre un monde de passionnés assoiffés de conquêtes impossibles et décide de l’accompagner jusqu’au voyage ultime vers le sommet des dieux

J'avais lu tellement de critiques dithyrambiques sur ce film d'animation qu'après son visionnage la déception l'emportait sur l'émerveillement. Les images sont somptueuses, surtout les décors de ces montagnes qui semblent écraser les personnages (je me suis toutefois demandé quel procédé avait été utilisé tant ces décors ressemblaient à des photographies). Il parait que ce film est l'adaptation d'un manga célèbre mais je n'ai pas retrouvé le style et la richesse propre aux mangas. L'animation est fluide en particulier pour les expressions sur les visages des personnages dessinés dans un style minimaliste mais très expressifs. La richesse du bruitage donne un réalisme incroyable à certaines scènes d'alpinisme et l'immersion est totale.
Alors avec toutes ces qualités on peut se demander d'où vient ce sentiment d'insatisfaction que j'ai pu ressentir à la fin du film. Le manque d'empathie pour les personnages traités d'une manière trop réaliste ? La dispersion du scénario qui court plusieurs lièvres à la fois entre enquête, scènes d'alpinisme et message philosophique sur le dépassement de soi ? Il manque un petit grain de folie, une mise en situation propre à impliquer plus le spectateur. Le fait que toute l'histoire soit narrée en voix off dédramatise des situations qui devraient pourtant provoquer une profonde émotion.

Bon, je fais la fine bouche, mais le film est une réussite sur le plan esthétique et ne serait ce que pour cette raison mérite d'être vu.

Synopsis : Théâtre de la prison de Rebibbia. La représentation de « Jules César » de Shakespeare s’achève sous les applaudissements. Les lumières s’éteignent sur les acteurs redevenus des détenus. Ils sont escortés et enfermés dans leur cellule. Mais qui sont ces acteurs d’un jour ? Pour quelle faute ont-ils été condamnés et comment ont-ils vécu cette expérience de création artistique en commun ? Inquiétudes, jeu, espérances…

Pour leur avant-dernière collaboration, les deux frères octogénaires nous délivrent une œuvre inclassable, mi documentaire mi fiction, qui met en scène des détenus d'une prison de haute sécurité engagés dans un processus de création artistique à savoir l'interprétation d'une pièce de Shakespeare, Jules César. Après une introduction en couleur et réussie sur la fin de la représentation, le film revient sur la genèse de cette aventure d'abord avec le choix des acteurs puis avec les répétitions.
On est étonné par la qualité du jeu de ces prisonniers qui n'avaient jusque là aucune expérience de la scène et qui ont tous un passé criminel chargé. Avec leurs mines patibulaires, leur franc parler, les accents différents (ils sont originaires de différentes régions) et leurs réactions exacerbées à la moindre contrariété ils emplissent l'écran de leur vitalité et d'une expressivité peu commune. Leurs préoccupations trouvent un écho particulier avec les thèmes développés dans la pièce (liberté, honneur, trahison, vengeance).
C'est dans la captation des scènes de répétition que le film bascule du documentaire vers la fiction car elles sont soigneusement mises en scènes. La caméra scrute chaque acteur et met en valeur ses réactions dans un noir et blanc très contrasté en utilisant au mieux les décors de la prison, couloirs, cellules, pièces communes, cours intérieures. On a ainsi droit à quelques séquences d'une beauté inattendue avec parfois la participation des surveillants et des autres prisonniers qui entrent dans le jeu des comédiens et de l'histoire évoquée dans la pièce.
Malheureusement la fin du film n'est pas à la hauteur de ce qui précède et le message final envoyé par les détenus qui rejoignent leur cellule après la représentation est d'une lourdeur stupéfiante. Dommage car cet OFNI aurait mérité un meilleur épilogue.

Synopsis : Arthur Hamilton est un banquier d'âge mûr lassé par son quotidien routinier. Contacté par un ami qui lui fait connaître une étrange société, il accepte de changer d'identité. Arthur devient Tony Wilson, change d'apparence et de vie. Installé sur la côte californienne, il débute une carrière de peintre. Bientôt, ce secret devient trop lourd à porter.

Dès le générique de Saul Bass, on est plongé dans un kaléidoscope d’images dérangeantes. Des éléments anatomiques se juxtaposent et se déforment accompagnés par la musique lancinante de Jerry Goldsmith. L’entame du film bascule dans le thriller avec une poursuite étrange dans une gare. Le montage syncopé, l’utilisation de cadrages resserrés, de caméras portées et de très gros plans créent une sensation de danger latent désamorcé par une conclusion inattendue. Cette débauche d’effets visuels inédits et maîtrisés par le chef opérateur James Wong Howe (il sera d’ailleurs oscarisé) va se retrouver dans d’autres séquences du film, un cauchemar où les images anamorphosées ressemblent à des tableaux de Dali (on pense inévitablement à Spellbound), le réveil après l’opération, la bacchanale et la fin, glaçante, qui vous cloue dans le fauteuil. On peut comprendre la surprise des spectateurs et leur rejet devant l’étrangeté du spectacle avant-gardiste qui leur était offert.
Mais les prouesses techniques ne suffisent pas à rendre un film intéressant. Ici ce sont les thèmes abordés et leur traitement qui donnent à l’œuvre toute sa valeur. A travers « l’organisation » qui propose une nouvelle vie à ses clients c’est le gouvernement américain qui est attaqué. La société de consommation ainsi que la contreculture hippie sont balayées par la vision très pessimiste du film, le réalisateur John Frankenheimer reconnaissant que son but était de dénoncer l’utopie du rêve américain.
Côté interprétation la prestation de Rock Hudson dans un rôle à contre-emploi est à souligner ainsi que de nombreux seconds rôles incarnant des personnages inquiétants dignes d’un monde orwellien.
Bien sûr on peut regretter l’abus et parfois l’artificialité des prouesses techniques mais il n’en reste pas moins que ce film vous marque profondément et que l’expérience visuelle le place dans la catégorie des grandes réussites du cinéma.

A noter que même s’il n’est toujours pas édité en France sur support physique le film est accessible non seulement sur TCM mais aussi sur le site de la Cinetek.

Synopsis : Marie, une jeune doctoresse, se rend sur l’île d’Ouessant, afin de remplacer un vieux praticien. Grâce à ses compétences et son dévouement, elle parvient peu à peu à se faire accepter par les insulaires, d’abord peu enclins à accepter cette nouvelle venue. André, un ingénieur installé provisoirement dans la région, la demande en mariage, mais pour suivre celui qu’elle aime, elle devra renoncer à son métier.

Dernier long métrage de Jean Grémillon qui traite de solitude et d'amour contrarié avec un portrait de femme traité avec sensibilité dans un réalisme sans affèterie. Contrairement à la plupart de ses films, on ne retrouve pas ici de message social ou religieux. Aujourd'hui on pourrait qualifier ce film de féministe tant l'opposition entre les hommes et les femmes est à l'avantage de ces dernières. Toutes montrent un sens du devoir et une force de caractère exemplaires au contraire des hommes beaucoup plus superficiels dans leur comportement. L'héroïne, Marie (Micheline Presle), prouve à de multiples occasions sa valeur en sauvant une petite fille puis en opérant avec succès un gardien de phare. Elle est prête à sacrifier sa carrière par amour ne se ravisant qu'au dernier moment. L'autre figure importante est une vieille institutrice, Germaine (Gaby Morlay), qui a consacré toute sa vie à ses élèves pour finir dans la solitude. A l'inverse André (Massimo Girotti) se montre égoïste et veut que Marie l'épouse en abandonnant sa profession. Les autres figures masculines sont présentées comme immatures (farceur, ivrogne). Toutefois le scénario écrit par le réalisateur évite le piège de la caricature en nuançant ces positions. André comprend qu'il exige trop de Marie et que sa demande ne peut déboucher sur un bonheur viable.
Micheline Presle excelle quand elle se laisse emporter par ses sentiments. Massimo Girotti, sombre et parfois lugubre semble beaucoup moins inspiré par contre Gaby Morlay est sublime dans ce rôle sacrificiel.
L'histoire est magnifiée par une mise en scène inspirée qui utilise au mieux les paysages de l'île d'Ouessant. Les mouvements de caméra, essentiellement des travellings, font bien ressortir la solitude ou le désespoir des personnages et parmi de nombreuses scènes marquantes on retiendra l'image finale de Micheline Presle derrière une vitre, le visage noyé dans les larmes, qui fait écho à celui de Jean Gabin à la fin de Remorques. La musique aux sons mélancoliques de Dutilleux vient souligner les instants dramatiques et comme toujours chez ce réalisateur, les sons extérieurs (en particulier la corne de brume ou le tocsin) sont utilisés avec soin et à propos. Si on peut admirer l'éloge du curé lors de l'enterrement de Germaine (c'est la voix de Grémillon en fait qu'on entend), on peut par contre regretter le doublage de la voix de Massimo Girotti mais cela ne justifie en rien le sort que réservèrent les producteurs à cette œuvre en ne la distribuant que dans quelques salles d'art et d'essai ce qui explique son échec commercial. Injustice flagrante qui mit fin à la carrière de ce grand réalisateur.

Synopsis : Luo Hongwu revient à Kaili, sa ville natale, après s’être enfui pendant plusieurs années. Il se met à la recherche de la femme qu’il a aimée et jamais effacée de sa mémoire. Elle disait s’appeler Wan Qiwen…

Plus qu'un film cette œuvre est une expérience sensitive et onirique. J'avoue ne pas avoir tout compris mais j'ai été hypnotisé lors du visionnage non seulement par la beauté des images mais surtout par l'ambiance qu'a su créer le réalisateur que je découvrais. Divisé en deux parties séparées par le... titre du film, cette oeuvre nous entraîne d'abord dans une quête où le personnage principal recherche une femme qu'il a aimée passionnément. Récit fragmenté où on passe sans transition du présent au passé, de la réalité au rêve. Cet univers lynchien tient à la fois du romantisme exacerbé de Wong Kar Wai, de la maîtrise du temps de Kim Ki Duk et de la prouesse technique de Tarkovski. La deuxième partie est un très long plan séquence (environ 1h) en 3D (je l'ai vu en 2D n'étant pas équipé pour la 3D) qui nous offre une plongée dans les souvenirs du personnage principal où on retrouve des éléments cités dans le début du film mais avec d'autres personnes.
J'ai vite renoncé à comprendre et je me suis laissé emporter par l'ambiance de cette œuvre bercée par une musique sensorielle que je déconseille aux esprits cartésiens qui peut-être n'y verront qu'un exercice de style stérile.

Une expérience que je vais sans doute renouveler dans les prochains jours et qui m'a fait découvrir un talent prometteur chez ce réalisateur chinois qui jusqu'alors m'était inconnu.